Kassel – Ups, dieser Beethoven klingt komisch, dachte man amüsiert nach den ersten Tönen. Stillschweigend hatte das Ensemble die Reihenfolge vertauscht. Und so begann der Abend nicht, wie auf dem Programmzettel angekündigt, mit Beethoven, sondern mit Johann Sebastian Bach. Dessen Goldberg-Variationen sind ein Meilenstein und Kultstück der Tastenmusik. In der gut besuchten Erlöserkirche erklang am Mittwoch eine spannungsgeladene Streicherfassung.

Das Leipziger Streichtrio bewies beim Sonderkonzert des Harleshäuser Musikfestes seine Vorliebe für kraftvoll drängende Virtuosität – ein echtes Powerplay. Die drei Mitglieder sind allesamt renommierte Künstler, die Solopositionen bei den Symphonikern Hamburg und dem MDR-Sinfonieorchester Leipzig innehaben.

Adrian Iliescu (Violine), Atilla Aldemir (Viola) und Rodin Moldovan (Violoncello) präsentierten eine halbstündige Auswahl aus dem berühmten Werk. Die Streichtrio-Version von Dmitri Sitkovetsky erlaubte einen bisweilen faszinierend extravaganten Blick auf die „Goldbergs“. Nach Bach gesellte sich der Kasseler Flötist Jens Josef zu den Streichern, um seinen Part ebenso virtuos wie klangschön zu gestalten. In Mozarts Flötenquartett KV 285 gab es schnelles, spritziges Spiel, aber auch süße Melancholie in Moll.

Der zupackende Ansatz des Trios kam Beethoven besonders entgegen. Von dem jungen Wilden aus Bonn, der in den Wiener Adelskreisen für Furore gesorgt hatte, erklang die 1797 erschienene Serenade Jens Josef Flöte de op. 8 für Streichtrio. Die Musiker schöpften den Humor des Überfliegers voll aus. Köstlich zum Beispiel der vierte Satz, in dem ein melodramatisches Adagio von rasanten Scherzo-Teilen unter- brochen wurde. Der Cellist genoss es sichtlich, hier kräftige Akzente zu setzen. Nach tosendem Applaus folgte noch eine gepfefferte Zugabe aus der Serenade op. 10 von Ernst von Dohnányi. Dieses Werk ist auch auf dem Album „Passion“ zu hören, das das Leipziger Streichtrio 2022 in der Erlöserkirche aufgenommen hat.

Hessische/Niedersächsische Allgemeine / GEORG PEPL /  4.8.2023 

Kassel – Als Giuseppe Tartini 1731 die Teufelstriller-Sonate komponierte, fügte er bescheiden hinzu, er habe das Stück einem Traum nach- empfunden, in dem der Teu- fel ihm eine viel teuflischere Version präsentiert habe. Daran wäre jede irdische Geige zerbrochen, so möge man sich mit seiner diabolischen Nachdichtung begnügen. Was für ein Einstieg für das sonntägliche Meisterkonzert in der Erlöserkirche.

Attila Aldemir haucht dem schlichten Thema auf der Geige Wärme und Eleganz ein und entfaltet in der Schlusskadenz ein in der Tat teuflisch anmutendes Können, allerdings ohne jedwede Pose. Aldemir, seit 2017 Solist beim MDR-Sinfonieorchester in Leipzig, gehört zu den Großen seines Fachs. Auch seine junge Begleiterin, die Pianistin Hazel Beh, ist dort an der Hochschule für Musik tätig.

Mit der Brahmssonate für Klavier und Viola greift Aldemir zu seiner legendären Peregrino-di-Zanetto-Bratsche von 1560. Unvergleichlich souverän wandeln Aldemir und Beh durch das spätro- mantische Werk op. 120 in f- Moll, das manchem Zuhörer in der Version mit Klarinette im Ohr klingen mag. Lange Zeit dichtete man Brahms übertriebenen Tiefsinn und Attila Aldemir Geiger und Solist beim MDR- Sinfonieorchester kitschige Süße an, aber Aldemir und Beh schiffen interpretatorisch zwischen Skylla und Charybdis und präsentieren einen nahezu leichtsinnigen bis herbpritzigen Brahms, wie erfrischend.

Auch die oft stiefmütterlich behandelte Schubertsonate „Arpeggione“ gewinnt bei Aldemir eine auffallend persönliche Note. Aldemir streichelt das Instrument in den innig liedhaften Passagen, um es fast lässig mit zwinkernder Wiener Lebenslust zu „polieren“. Kein Wunder, denn Aldemir hat entscheidende Impulse in Wien erhalten. Präzise, mit fein dosiertem Pedal und einer unbestechlichen Ruhe gleiten Behs Finger über die Tasten des Steinway-Flügels, sei es in Henri Vieuxtemps' dunkler Elegie oder in den rastlosen rumänischen Volkstänzen von Béla Bartók. Nach der lautstark erklatschten Zugabe verabschiedet sich Aldemir ein letztes Mal wienerisch mit Kreislers „Caprice Viennois“. FOTO: MARCO BORGGREVE/NH

Hessische Niedersächsische Allgemeine (ANDREAS ERDMANN), 1.8.2023 

 

Mit einem fulminanten Start eröffnen die drei Herren des Leipziger Streichtrios ihre erste Einspielung. Die Serenade op. 10 von Ernst von Dohnány fängt mit einem schwungvollen Marsch an, den sie flott und mit Temperament nehmen. Auch der Rest der Serenade überzeugt, Auftakt geglückt! Dohnánys fünfteiliges Werk markiert einen guter Start, denn die Facetten der zwischen Spätromantik und beginnender Moderne angesiedelten Serenade werden vom Leipziger Streichtrio gewissenhaft ausgelotet. Auch das übrige Repertoire dieser CD ist ausgesprochen interessant. Mit einem Streichtrio von Jean Françaix, Werken von Jean Sibelius, George Enescu und der für Streichtrio bearbeiteten Chaconne für Violine solo von Johann Sebastian Bach hält man ein gewichtiges Plädoyer für eine zu Unrecht im Schatten des Streichquartetts stehende Gattung. Denn das Streichtrio wurde nach dem Siegeszug des Streichquartetts immer eher stiefmütterlicher behandelt.

Votum für das Streichtrio

Galt das Streichquartett als Krönung der Kammermusik, schien das Streichtrio im Laufe des 19. Jahrhunderts weniger interessant geworden zu sein, warum auch immer. Diese Einspielung könnte Kammermusikfreunde eines Besseren belehren, Françaix' charmantes Trio etwa oder Sibelius' leider unvollendet gebliebenes Opus zeigen mehr als deutlich, dass diese Gattung eben kein Streichquartett mit fehlender zweiter Violine ist, sondern eine höchst eigenständige Form der Kammermusik. Die drei Herren des Leipziger Streichtrios, die allesamt Mitglieder führender deutscher Sinfonieorchester sind, stellen deren Vorzüge mustergültig vor. Nur Gelegentlich legen sie dann doch ein Quäntchen zuviel Hochdruck an den Tag, ein Hauch Emphase weniger hier und da hätte durchaus zur strukturellen Klarheit ihres Ensembleklangs beigetragen. Der ist ansonsten aber ausgezeichnet.

klassik-heute.de (Guido Krawinkel), 30.3.2023

Atilla Aldemir, seit 2017 Solo-Bratschist des MDR-Sinfonieorchesters, nimmt als samtig-sonor tönender Reiseleiter das Publikum mit auf diese musikalische Wanderung durch die mittelitalischen Lande, zunächst noch in Gesellschaft von Solenn Grand an der Harfe als innige Diologparterin. 
Zumal Dennis Russell Davies eine wunderbare Balance findet zwischen pastotaler Komtemplation und dramtisch geschärftem Zugriff.  

Leipziger Volkszeitung (Peter Korfmacher), 3.4.2023

Das Leipziger Streichtrio mit abwechslungsreichem Debut

Das Debüt des 2019 gegründeten Leipziger Streichtrios auf CD bietet mit der Serenade von Ernö Dohnanyi und dem Trio von Jean Françaix zwei bekannte Streichtrios, wenn sie vielleicht auch nicht zu den zentral gewerteten Gattungsbeiträgen gehören. Daneben haben die drei Musiker mit Enescus kurzer Aubade, Sibelius Trio und einer Bearbeitung der Chaconne für Violine solo von Bach eine große Weite an Stilen.

Die Bearbeitung der Chaconne von András von Tòszeghi bieten das Leipziger Streichtrio in einer Deutung an, die diesem Satz etwas von seiner auch zu hörenden weihevollen Gemessenheit nimmt. Durch die Aufteilung der Stimmführung auf drei Instrumente erhält sie einen wechselhaften und damit fast tänzerischen Charakter. Der wird durch eine geringfügige Sprödigkeit und den kraftvoll pulsierenden Spielgestus unterstützt. Daran muss man sich beim Hören erst gewöhnen, aber dann entfaltet auch diese Version ihren zu genießenden Charme.

Die Serenade von Dohnanyi wird so genommen, wie ein Werk dieser Gattung klingen sollte. Also bei aller Reife der technischen Ausführung wahren die Musiker den leichten Ansatz einer solchen Abendmusik. Einen anderen Ansatz bietet da das Trio von Françaix, das aber auch mit einer Verschmitztheit zu lesen ist. Und diese Mischung aus kompositorischem Anspruch und augenzwinkerndem Einfluss bietet das Leipziger Streichtrio kompetent an. Dabei lassen sie sich nicht ganz auf die virtuoser angesetzten Tempi der historischen Aufnahme mit Heifetz, de Pasquale und Piatigorsky ein. Aber das bietet Möglichkeit, die Musik stärker auszukosten.

Zwei weitere Werke runden diese Aufnahme ab. Mit dem Trio des knapp 30-jährigen Sibelius zeigen sie eine unbekannte Seite des Finnen, die sie mit sicherem Gespür für diese Stimme aus dem Norden erfasst haben. Mit der ebenso prägnanten wie charmanten Aubade von Enescu lassen sie die CD quasi mit einem Abschiedskuss an die Hörer geschickt und beschwingt ausklingen. So lässt man sich akustisch gerne verwöhnen.

In allen vorgetragenen Stücken zeigen die drei so unterschiedlichen Musiker, dass sie hier einen stringenten gemeinsamen Weg beschreiten. Mit intensivem und gleichzeitig auch austariertem Einsatz geben sie ihren Interpretationen prägende Charaktere.

Pizzicato (Uwe Krusch), 5.3.2023

Das Streichtrio ist in der Kammermusik eine etwas exotische Besetzung. Streichquartette gibt's es wie Sand am Meer, doch Trios für Geige, Bratsche und Cello sind seltener. Das gilt übrigens sowohl für die Stücke als auch für die Ensembles. Seit 2019 gibt es das Leipziger Streichtrio, und gerade haben die drei ihre erste CD aufgenommen. Das Repertoire der Platte ist bunt gemischt und reicht von Bach bis Francaix. Anders als im Quartett „fehlt“ im Streichtrio ja eine Stimme. Das macht die Komposition, aber auch das Spiel schwieriger. Hier müssen die Balance und das Gewicht der drei Instrumente absolut passen. Beim Leipziger Streichtrio passt das auf jeden Fall. Man spürt sofort, dass hier drei leidenschaftliche und temperamentvolle Kammermusiker spielen. Das klingt nicht wie ein Auto mit nur drei Rädern, hier läuft alles rund. Dass die drei auch eine gute Portion Humor haben, zeigen sie im Streichtrio des Franzosen Jean Francaix. Ein freches Stück mit Anklängen an Kabarett und Zirkus – „Musique pour faire plaisir“ hat es der Komponist selber genannt – ich wünsche viel Vergnügen…
Musik Francaix – 13´02
CD Ars Produktion Ars 38 630, Tracks 6 – 9
Das Streichtrio des Franzosen Jean Francaix in einer neuen Aufnahme mit dem Leipziger Streichtrio. 1933 ist dieses freche und witzige Stück entstanden. Auf seiner intelligent und unterhaltsam programmierten Debüt-Platte spielen die drei Leipziger auch noch Trios von Dohnanyi, Enescu und Sibelius. Dazu eine Bearbeitung der berühmten Bach-Chaconne in d-moll. Eine wunderbare CD für Fans selten gespielter Kammermusik.



Klassikwelt (Wilfried Schäper), 5.3.2023

Kassel – Kräftige Donnerschläge untermalten das Konzert des Leipziger Streichtrios zum Auftakt des Harleshäuser Musikfestes in der Erlöserkirche, und in ähnlicher Stärke erscholl am Ende auch der Applaus für die drei Musiker. Adrian Illiescu (Violine), Atilla Aldemir (Viola) und Rodin Moldovan (Violoncello) boten einen virtuosen wie rasanten Streifzug durch die Literatur für diese Besetzung.

Vom Barock bis zur Spätromantik reichte der Bogen, und die drei gaben eindrucksvolles Zeugnis für das hohe künstlerische Niveau des Festivals, das die pädagogische Betreuung des Nachwuchses mit Konzerterlebnissen verbindet: Der Bratschist des Trios wird auch als Pädagoge in den nachfolgenden Meisterkursen zu erleben sein. Elan, Spielfreude und spannungsgeladene Artikulation des 2019 gegründeten Trios bestimmten den Abend, den die drei Herren mit einer Bearbeitung der berühmten Chaconne für Solovioline aus der Suite in d-Moll, BWV 1004 von Johann Sebastian Bach eröffneten, und sie zeigten hier ihr Gespür für historische Klangkultur: Kraftvoll durchpulst gaben sie der Chaconne in einer Bearbeitung von Andräs von Töszeghi eine klanglich angemessene Sprödigkeit.

Mit dem Streichtrio G-Dur op.9 No.1 von Ludwig van Beethoven gab es dann einechtes Gattungs-Gipfelwerk. Auch hier lag der interpretatorische Schwerpunkt eher auf rhythmischer Stringenz, sowie straffen, fast schon stürmischen Tempi: Ein Ruhepunkt in den Adagio-Sätzen hätte durchaus gutgetan, und so präsentierte sich der duftige Schlusston des Finalsatzes dann als echte Hör-Überraschung.

Wenn Beethoven schon mit harmonischen Überraschungen aufwartet, hatte man im nachfolgenden Werk noch mehr zu staunen: Ernst von Dohnanyis spätromantisches Trio bietet ein Harmonie-Dickicht, aber auch allen dreien die Möglichkeit, mit edlem Ton zu glänzen, so exquisit im Variationssatz zuhören. Nach dem schmissigen und schwelgerischen „Liebesfreud“-Satz von Fritz Kreisler folgte als Zugabe ein Schmankerl: das ,,Trio“ von Jean Francaix.

Hessische/Niedersächsische Allgemeine  (Susanne Weber), 1.8.2022

Atilla Aldemir: „Ich spüre Bachs Anwesenheit unmittelbar"

Foto: Atilla Aldemir, der 2011 mit dem Donizetti-Preis als „Bester Interpret der Türkei“ ausgezeichnet wurde © Marco Borggreve

Istanbul, Wien, Berlin und nun Leipzig. Das sind nur einige der Stationen des vielseitigen Musikers Atilla Aldemir, der sowohl das Spiel auf der Geige als auch auf der Bratsche beherrscht. Die Geige allerdings, die stellt der gebürtige Türke in letzter Zeit immer öfters ins Eck. Seit 2017 ist Aldemir Solo-Bratschist beim MDR-Sinfonieorchester. Als Solist hat er Ende des letzten Jahres auch Bachs Sonaten und Partiten (BWV 1001 – 1006) eingespielt. Natürlich als Arrangement auf der Bratsche – und nicht wie üblich auf der Geige. Damit geht Atilla Aldemir neue Wege. Weshalb, das erzählt er im Gespräch mit Klassik-begeistert.

von Jürgen Pathy

Klassik-begeistert: Herr Aldemir, Sie haben Ende des letzten Jahres die Sonaten und Partiten BWV 1001 – 1006 von Johann Sebastian Bach eingespielt. Jedoch nicht auf der Geige, sondern als Arrangement auf der Bratsche (Viola). Weshalb? 

Atilla Aldemir: Seit ich die klanglichen Möglichkeiten der Viola für mich entdeckt habe, erscheint mir eine Übertragung dieses Bach'schen Violinwerks besonders faszinierend. Außerdem kann ich mit dem tieferen Instrument die kontrapunktischen Elemente in besonderem Maße erlebbar machen.

Johann Sebastian Bach liebte die Bratsche. Sein ältester Sohn, Carl Philipp Emanuel Bach berichtet, dass Bach als der größte Kenner und Beurteiler der Harmonie im Orchester am liebsten die Bratsche spielte. Laut seines Nachlass-Verzeichnisses besaß er am Ende seines Lebens u.a. drei Bratschen.

Klassik-begeistert: Seit wann beschäftigen Sie sich bereits mit diesen Werken? 

Atilla Aldemir: Als Geiger habe ich mich schon seit meiner Jugend mit dieser wunderbaren Musik viel befasst. Bachs Sei Solo gehören nämlich zweifellos zu den wertvollsten und erhabensten Schöpfungen der Musikgeschichte. Die Beschäftigung mit dem Zyklus ist per se aufwändig. Dies hängt mit dem musikalischen Gehalt und dem quantitativen Umfang des Notenmaterials zusammen, die jeden Geiger bei der Interpretation der Sonaten und Partiten vor besondere Herausforderungen stellen.

Klassik-begeistert: Die Aufnahmen entstanden nicht irgendwo, sondern in der St. Agnus Kirche von Köthen. Weshalb haben Sie diesen Ort gewählt?

Atilla Aldemir: Seit ich in Deutschland lebe, und besonders seitdem mich meine musikalische Tätigkeit nach Leipzig geführt hat, ist die Anwesenheit des Bach'schen Geistes und seiner Musik unmittelbar spürbar – ich atme quasi seine Luft. Dass ich die Gelegenheit hatte, in der Köthener St. Agnus Kirche die Aufnahme zu realisieren, hat mich mit großem Glück erfüllt und war für mich ein besonderer Ansporn. Denn hier sind diese Werke entstanden. 1720, also vor ziemlich genau 300 Jahren, hat Bach hier die Reinschrift der Sonaten und Partiten für Violine solo angefertigt. Damals war Bach als Kapellmeister in Köthen tätig.

Klassik-begeistert: Dann muss diese Kirche für jeden Musiker, der diese Werke spielt, ein unglaublicher Ort sein. Wie haben Sie sich gefühlt als Sie diese Kirche betreten haben?

Als ich das erste Mal die Kirche betreten habe, habe ich beim Gedanken Gänsehaut bekommen, dass Bach jeden Sonntag hier im Gottesdienst mitgesungen und seine Füße auf dieselben Steine gesetzt hat. Ich habe es als unglaubliches Privileg empfunden, seinen Namenszug von eigener Hand im Kirchenregister sehen zu können.

Klassik-begeistert: Gibt es eine Partita oder Sonate, die Sie besonders mögen? Oder einen Satz, eine bestimmte Stelle? Wenn ja, weshalb?

Atilla Aldemir: Die Allemande aus der h-moll Partita BWV 1002 sowie das Andante aus der Sonate No. 2 in a-moll BWV 1003 liebe ich besonders. Bei beiden Sätzen spüre ich beim Spielen Hoffnung und die Vergänglichkeit.

Klassik-begeistert: Die Aufnahmen entstanden auf einer Bratsche von Pellegrino de Micheli (1560). Üblicherweise spielen Sie auf einem neueren Instrument. Weshalb haben Sie für diese Aufnahme dieses spezielle Instrument gewählt? 

Atilla Aldemir: Bei der Wahl hatte ich keine Zweifel. Die Viola Pellegrino de Micheli aus dem Jahre 1560 hat wunderbare Klangeigenschaften, denen ich bedingungslos vertraute. Außerdem inspirierte mich die Vorstellung sehr, dass das Instrument zu Bachs Lebzeiten bereits existierte, und er es theoretisch auch hätte hören können.

Die Wahl des Bogens habe ich mir nicht leicht gemacht. Sowohl mit modernen als auch mit barocken Bögen habe ich experimentiert. Letztendlich habe ich mich für den Barockbogen entschieden, der mit seiner Leichtigkeit meiner Vorstellung des lebendigen und virtuosen Barockstils am ehesten entsprach.

Klassik-begeistert: Abgesehen von der technischen Komponente, worin liegt die Raffinesse oder die Kunst Bach „gut“ zu spielen?

Atilla Aldemir: Die Kunst liegt darin, die vertikalen und horizontalen Strukturen der Musik gleichermaßen zum Klingen zu bringen.

Klassik-begeistert: Sie spielen sowohl Geige als auch Bratsche. Wie schwer ist es, zwischen diesen beiden Instrumenten zu wechseln? 

Atilla Aldemir: Die Aufstellung der linken Hand ist für die Bratsche eine andere als für die Geige. Wenn ich ein Stück auf einem Instrument einstudiert habe, kann ich es nicht automatisch auf dem anderen Instrument spielen.

Klassik-begeistert: Weshalb haben Sie sich letztendlich für die Bratsche entschieden?

Atilla Aldemir: Die Bratsche ist für mich das Instrument, das entspannender wirkt. Sie gibt der Bach'schen Musik mehr Raum.

Klassik-begeistert: Können Sie für Laien verständlich erklären: Worin liegt der Unterschied zwischen einer Geige und einer Bratsche?

Atilla Aldemir: Die Bratsche ist größer und um eine Quinte tiefer gestimmt als die Geige.

Klassik-begeistert: Sie sind als Solist tätig, spielen aber auch im MDR-Sinfonieorchester. Worin liegt der Reiz in einem Orchester zu spielen? Worin wiederum als Solist? 

Atilla Aldemir: Das Orchesterrepertoire ist riesig. Dagegen sind die Solokonzerte mit Orchesterbegleitung begrenzt. Was eine Mahler-Sinfonie in mir an Emotionen auslöst, kann ich in Worten nicht beschreiben. Ich fühle mich dort als Teil des gesamten Organismus. Wiederum, wenn ich als Solist mit dem Orchester auftrete oder überhaupt ein Solostück spiele, zeichne ich sozusagen mit jeder Note meine eigene Signatur.

Klassik-begeistert: Lassen Sie uns Corona kurz ansprechen. Wie sehen Sie die aktuelle Situation? Hat sie nur Nachteile oder kann man ihr vielleicht etwas Positives abgewinnen?

Atilla Aldemir: Durch Corona haben wir gelernt, dass wir alle miteinander verbunden, voneinander abhängig und füreinander verantwortlich sind. Es ist eine Prüfung für uns alle.

Klassik-begeistert: Angenommen es erscheint eine gute Fee. Diese erfüllt Ihnen drei Wünsche. Welche wären das?

Atilla Aldemir: An dieser Stelle möchte ich keine Klischees bedienen. Aber was ich mir wünschen würde, wäre insgesamt ein besserer Umgang mit mehr Respekt und Liebe füreinander.

Klassik-begeistert: Herr Aldemir, herzlichen Dank für das Gespräch.

klassik-begeistert.de und klassik-begeistert.at (Jürgen Pathy), 10. Januar 2021

J.S. Bach: Sonatas & Partitas, BWV1001-1006
Atilla Aldemir, viola
"Superbly recorded, the deep tone of the viola gives the Sonatas and Partitas added expressive dimensions... these are performances full of eloquence and poetry." -MusicWeb International

Atilla Aldemir, although equally at home on the violin, chose for his recording of the Sei Soli BWV 1001-1006 in the St. Agnus Church in Köthen the viola as his instrument - and he could well be right historically, although the technical difficulties are increased due to the much larger scale lengths than those of the violin. Johann Sebastian Bach loved the viola: that much is clear! His eldest son, Carl Philipp Emanuel Bach, reports that Bach as the greatest expert & judge of harmony in the orchestra preferred to play the viola. At the end of his life, according to a posthumous inventory, he had in his possession, among other instruments, three violas and a Bassetgen. In all likelihood, Bach himself played this instrument. Further proof of Bach's love for the viola, however, is moreover to be found in another "Köthen" case: the Brandenburg Concertos, which only received their name long after Bach's death. They ought to be called the Köthen Concertos because they were written and first performed there.

The viola plays an exceptional role in three of these concertos, for which the history of music provides no other examples up to this time. In the St. Agnus Church, near the castle, Bach went to church with his wife and children to receive communion. And though the church bears a different look today due to 19th century renovations, this situation is still discernible in a touching way. The congregation continues to use the communion tableware which Carlota Anna Elisabaht von Wietersheim donated for the inauguration of the church in 1699 and which Johann Sebastian Bach and his wife also used.

MusicWeb International
People used to regard the viola as second-rate when compared to the violin with its pantheon of superstar virtuosos, but once you accept the character of the viola as a unique instrument in its own right then such prejudices fall away. The remarkable Ciaconna that concludes BWV 1004 has sounded more dramatic and theatrical than in this recording, but such extrovert frills are less in the nature of the viola. Atilla Aldemar takes all of the technical demands of these works in his stride, and at 14:26 for this particular movement might even have taken more time over his transitions at some points. The delight here is in a kind of expressive intimacy, drawing the listener in to hear Bach's intricate musical narrative rather than blowing our socks off with virtuoso fireworks - which of course are all present, but which are delivered with considered weight rather than dashing plumage.

Philosophische Gedankengebäude der Romantik, gepaart mit der Ersteinspielung von Necil Kazim Akses 'Capriccio' für Viola solo.

Die Gesellschaft zur Förderung der Westfälischen Kulturarbeit e.V. (gwk) mit Sitz in Münster hat es sich zum Ziel gesetzt, junge angehende Berufsmusiker beim Einstieg in die Profikarriere helfend zu unterstützen und – nach Preisgewinn beim hauseigenen Wettbewerb – die besten von ihnen mit CD-Produktionen zu belohnen. Jeder weiß, wie wichtig heutzutage so eine (Erst-)Publikation sein kann, um als Künstler seinen Marktwert zu taxieren. Große Wettbewerbe produzieren mit den Preisgewinnern deshalb oftmals CDs. In diesem Fall trifft es einen Musiker, der seine Lebensposition wohl bereits gefunden hat: Attila Aldemir (*Istanbul 1975) ist seit April 2017 Solobratschist des MDR-Rundfunksinfonieorchesters Leipzig. Gemeinsam mit dem herausragenden Pianisten Itamar Golan (Klavier) hat er in einer Doppel-CD beim Label gwk-records.com drei Hauptwerke der Kammermusik-Literatur für Viola und Klavier aufgenommen: die Sonaten op. 120,1 von Johannes Brahms, die Sonate für Violine und Klavier A-Dur (Fassung für Viola) von César Franck sowie die letzte vollendete Sonate, das ist jene für Viola und Klavier op. 147, von Dmitri Schostakowitsch. Und das Ergebnis kann sich hören lassen. Dazu eingespielt sind drei unbekanntere Werke für Viola solo: Von Henri Vieuxtemps das Capriccio 'Hommage à Paganini', von Nicil Kazim Akses (1908-1999) ebenfalls ein 'Capriccio' sowie 'Troja'. Die letzten beiden Komponisten stammen wie Atilla Aldemir aus der Türkei.

Brahms' Violasonaten sind der Prüfstein eines jeden Bratschers: Die hier zu hörende erste Sonate f-Moll, op. 120,1, spielen die Künstler mit selten erlebter Eleganz. Auch der Zugriff Itamar Golans am begleitenden Klavier ist fabelhaft und von unerhörter Dynamik. Dafür ist er bereits seit Jahrzehnten bekannt, doch hat der Israeli seine Leistung immer konstant auf höchster Ebene halten können, obwohl er auch schon 50 ist. Es ist ein Genuss, den beiden beim Musizieren zuzuhören und sich den warmen Strömen der Brahms'schen Melodielinien auszusetzen. Das 'Andante' spiegelt die traurige Ernsthaftigkeit des Komponisten wider, die in fast allen seinen Werken immanent ist, und das ausgesprochen exemplarisch. Zart streicht Aldemir auch hier über die Saiten. Bemerkenswert ist die Tatsache, dass er dank seines Mentors Matthias Maurer (Universität für Musik und Darstellende Kunst in Graz) auf einer der ältesten, spielbaren Bratschen der Welt musiziert: einer Pellegrino Zanetti aus Brescia von 1560! Ihr Sound ist gülden, sie verzeiht fast alles und klingt immer.

Leidenschaft und Emphase

Auch die Adaption der Sonate für Violine und Klavier von César Franck in der Fassung für Viola und Klavier scheint auf dieser Aufnahme absolut gelungen. Aldemir spielt eine Fassung in der Originaltonart mit gelegentlichen Oktavierungen nach unten, die aber kaum auffallen und sehr geschickt gemacht sind. Die Sonate verliert so überhaupt nicht an Wirkung, im Gegenteil – durch die sonoren Violaklänge der Mittellage entsteht ein besonders sehnsüchtiges, üppiges Melos. Es gibt ja auch Cellisten, die diese Sonate gerne spielen, aber auf der Bratsche klingt sie wirklich am schönsten. Den Eingangssatz 'Allegretto ben Moderato' mit seinem nahezu orgelmäßigen Klaviersatz stemmen die beiden Musiker mit Leidenschaft und Emphase. Da entsteht ein nahezu philosophisches Gedankengebäude. Das sich anschließende 'Allegro' ist nicht immer ganz konsequent in den Rubati gestaltet, aber das ist auch Geschmacksache. An dieser Stelle soll einmal das sehr klar gegliederte, moderne ‚Booklet Editing' von Susanne Schulte (gwk) gelobt werden. Sie hält als Geschäftsführerin des regen Vereins ohnehin die Fäden in der Hand und führt – mit starken Partnern – von Münster aus seit Jahren höchst erfolgreich mehrere Nachwuchs-Konzertreihen in der Kulturregion Westfalen.

Die zweite CD beginnt mit der berühmten Sonate für Viola und Klavier op. 147 von Dmitri Schostakowitsch, die er erst am 5. Juli 1975 fertigstellte, rund einen Monat vor seinem Tod: Es war sein letztes Werk. Der ausgedehnte Kopfsatz 'Moderato' enthält äußerst bizarre Momente, steigt quasi mit einem abgewandelten Zitat (Anfang von Alban Bergs Violinkonzert) – ebenso wie Berg – äußerst lyrisch in die Komposition ein. Auch Zitate seiner (Schostakowitschs) 14. Sinfonie sind in der Sonate versteckt, sowie als Thema des letzten Satzes eine Melodie, die er als 9-Jähriger aufgeschrieben hatte: Schostakowitsch-Biograf Krzysztof Meyer deutet das als Versuch, quasi ‚wie mit einer Klammer seinen ganzen schöpferischen Werdegang zusammen[zufassen]'.  Die Sonate ist formal zwar dreisätzig, stellt mit der Satzfolge langsam – schnell – langsam aber das überkommene klassische Prinzip schnell – langsam – schnell auf den Kopf.

Ergreifend

Atilla Aldemir und Itamar Golan verstehen es, dieser entrückten Tonsprache ein Geheimnis zu entlocken: Schostakowitschs letzte einsame, toddurchtränkte Gedanken finden hier Niederschlag in Klängen. Insbesondere die Kadenz des letzten Satzes spielt der Bratschist ergreifend. Da möchte man hoffen, dass man ihn bald wieder live damit erleben kann. Es ging dem Komponisten gesundheitlich bereits überaus schlecht, als er an der Violasonate arbeitete, berichtet Meyer. Nur ein heroischer Akt von Willensanstrengung ließ ihn seine Arbeit am Finale – innerhalb von zwei Tagen! – vollenden. Entstanden ist ein Adagio voller Tränen, das zudem noch Beethovens berühmtes Mondscheinsonaten-Thema verarbeitet. Auf diese Art huldigen die beiden Künstler indirekt auch noch Beethoven zu dessen 250. Geburtstag. Diese Sonate ist unglaublich reichhaltig und interpretatorisch absolut gelungen.

Drei Capricci – zwei davon von zeitgenössischen türkischen Komponisten – schließen sich an, womit Aldemir seiner türkischen Herkunft Respekt zollt. Hierzulande sind Necil Kazim Akses (1908-1999) sowie Halit Turgay (*1967, Flötist und Komponist, Professor an der Ankara Music and Fine Arts University) absolut unbeschriebene Blätter, jedoch war Akses, der in Europa studiert hat, immerhin Mitarbeiter Paul Hindemiths beim Aufbau des Konservatoriums Ankara und danach zeitweise dessen Leiter. Turgay ist dagegen ein sehr reger Solist und Organisator von Wettbewerben, Meisterkursen und Uraufführungen seiner eigenen Kompositionen.

Zum Träumen

Akses zählt zur Gruppe der ‚Türkischen Fünf', die als erste türkische Meister die musikalische Tradition ihrer Heimat mit westeuropäischer Kompositionstechnik verbanden. Sein Capriccio für Viola solo (1978), hier in Ersteinspielung, schwingt, nach wild um sich greifendem Beginn, zunächst lyrisch in weiten Kreisen und gibt dem Solisten weiten Raum. Dann kumuliert der dicht geschriebene Text quasi in einer Kadenz mit virtuosen Strängen. Dabei intoniert der Solist die Doppelgriffe sauber und versiert. Manche Passage lädt zum Träumen ein und wird auch dynamisch weit zurückgenommen. Unverkennbar durchsetzt von Anderthalbtonschritten verortet sich die Tonalität im Orientalischen. Es ist bereits ein Spätwerk des 70-Jährigen, in das Aldemir seine ganze Leidenschaft legt.

'Troja' von Halit Turgay (*1967) ist dagegen ein noch avantgardistischeres Opus aus dem Jahr 2018. Es startet äußerst zerbrechlich, verhalten, und nutzt in der langsamen Einleitung Effekte wie Sul-Tasto-Spiel, also dem Streichen auf dem Griffbrett. Da wird gehörig Spannung aufgebaut, ehe das eigentliche Werk mit aufrührerischer Motorik anhebt. Das macht fast den Eindruck wie improvisierter Jazz, aber alles ist sehr feinziseliert und niemals brutal. Eine Pizzicato-Melodie, die sich dynamisch entwickelt, bringt neues Material, bevor getragene Doppelgriffe dominieren. Abrupt setzt wieder etwas Neues ein: Tremolo und Bartók-Pizzicato, bei dem die Saite auf das Griffbrett knallt, erschüttern die Szenerie, aber es kommt noch heftiger, ein lautes Geräusch kann gar nicht identifiziert werden. Abwechslungsreicher kann man nicht komponieren. Diese Platte ist ein Plädoyer für Halit Turgay.

Henri Vieuxtemps' 'Capriccio' 'Hommage à Paganini' für Viola solo op. 9 (1882 posthum veröffentlicht) fühlt sich danach wie Himbeereis mit Vanillesoße an. Tief fühlend lotet Aldemir hier die Klänge der Romantik des 19. Jahrhunderts aus und vergräbt sich keineswegs nur in purer Virtuosität. Seine hier zum Einsatz kommende Viola von Alexandre Breton (2017) ist fantastisch. Ihr Klang ist in der Tat nuancenreich und geht ab ‚wie ein Rennwagen', wie Aldemir im Booklet scherzt.

Interpretation: ***** Klangqualität: ***** Repertoirewert: *****  Booklet: ****

 

 

Atilla Aldemir, obwohl er auch auf der Geige zu Hause ist, wählte für seine Aufnahme des Sei Soli BWV 1001-1006 in der St. Agnus-Kirche in Köthen die Bratsche als sein Instrument, und er könnte historisch durchaus Recht haben, obwohl die technischen Schwierigkeiten zunehmen aufgrund der viel größeren Skalenlängen als die der Geige.

Johann Sebastian Bach liebte die Bratsche: so viel ist klar! Sein ältester Sohn, Carl Philipp Emanuel Bach, berichtet, dass Bach als größter Experte und Richter für Harmonie im Orchester es vorgezogen hat, Bratsche zu spielen. Am Ende seines Lebens besaß er nach einer posthumen Bestandsaufnahme unter anderem drei Bratschen und einen Bassetgen. Höchstwahrscheinlich hat Bach selbst dieses Instrument gespielt. Ein weiterer Beweis für Bachs Liebe zur Bratsche ist jedoch ein weiterer Fall von Köthen: die Brandenburgischen Konzerte, die erst lange nach Bachs Tod ihren Namen erhielten. Sie sollten die Köthen-Konzerte genannt werden, weil sie dort geschrieben und uraufgeführt wurden. Die Bratsche spielt in drei dieser Konzerte eine außergewöhnliche Rolle, für die die Musikgeschichte bis heute keine weiteren Beispiele liefert.

Bei vielen Gelegenheiten habe ich behauptet, dass es so viel mehr Talente gibt als die wenigen "Namen", die durch kommerzielle Kanäle bekannt wurden. Atilla Aldemir ist ein bisher nicht weit genug anerkanntes Talent. Diese doppelte Veröffentlichung ist nicht weniger als eine Offenbarung. Nicht nur, weil die Violinsonaten und Partiten auf dem Alt gespielt werden, und nicht nur, weil sie auf einem Instrument gespielt werden, das - interessantes Detail - bereits zu Bachs Zeiten existierte, sondern auch und vor allem wegen Aldemirs atemberaubendem Spiel. Personen, die mit seiner früheren Aufnahme mit dem Titel "Passion" vertraut sind, die auf dem deutschen Label GWK Records veröffentlicht wurde (Altsonaten von Brahms, Franck, Shostakovich usw.), werden nicht überrascht sein. Er ist in der Tat ein Meister der Bratsche in jeder Bedeutung des Wortes: Technisch, mit perfekter Intonation und leidenschaftlich, mit einem unglaublich genauen Gefühl, die richtige Stimmung im richtigen Moment zu treffen. Ideal für Brahms. Bach fordert unterschiedliche Qualitäten. Und ja, er hat sie auch bekommen, wie er mit dieser neuen Aufnahme ausführlich demonstriert!

Im Vergleich zu Midori Bach: 6 Sonaten & Partiten - Midori #, die ich vor einiger Zeit rezensieren durfte, gibt es einige Ähnlichkeiten, wie die Absicht des Komponisten so ehrlich wie möglich zu übermitteln, mit gut beurteilten Tempi, die den historischen Praktiken entsprechen Gleichzeitig wird darauf hingewiesen, dass es auch deutlich erkennbare Unterschiede gibt. Abgesehen von dem wärmeren Timbre der Bratsche hat Aldemirs Lesart einen eher singenden, wenn Sie möchten romantischen Charakter. Zusammen mit keinem oder einem sehr leichten Vibrato, das innerhalb der traditionellen Barockgrenzen bleibt, geht die spirituelle Stimmung direkt in Ihr Herz. Sein Spiel macht süchtig, sagte jemand, und ich glaube, es ist tatsächlich so. Was ich jedoch am meisten schätze, ist, dass es in seiner Lektüre nicht darum geht, eine technische Tour de Force zu zeigen, die Falle so vieler junger Künstler, die versuchen zu beeindrucken. Es geht in erster Linie darum, der Musik und damit dem Hörer zu dienen. Darüber hinaus leuchten die bekannten Solosonaten und Partiten auf der Bratsche in einem andersfarbigen, fast herbstlichen Licht. Oder, wie Aldemir sagt: „Das tiefere Instrument gibt mir die Möglichkeit, die kontrapunktischen Elemente in den Vordergrund zu stellen.“ Ganz im Gegensatz zu Julia Fischers ruhmreichem Geigenkonto (Pentatone PTC 5186 072, neu herausgegeben auf PTC 5186682). Während der Hörsessions kam mir der Gedanke, dass Aldemir nicht nur die Musik spielte. Mit geschmeidiger Verbeugung schien er die Genialität einiger von Bachs Hauptkompositionen direkt aus dem gedächtnisgeladenen Resonanzboden seines Pellegriono de Micheli-Instruments von 1560 zu ziehen. Bloße Magie.

Midoris Version ist insofern einzigartig, als sie sich hervorragend zum Anschauen eignet und gegen das Dekor des schönen Schlosses von Köthen gespielt wird, während diese neue Aufnahme, die in der Sankt Agnus Kirche in derselben historischen deutschen Stadt aufgenommen wurde, insofern einzigartig ist, als sie Folgendes bietet: Neben reinem DSD ein zusätzliches 3D-Binaural-Stereo-Format mit künstlichem Kopf, das speziell für Kopfhörerhörer gedacht ist. Die Notizen sagen nicht aus, wer der Autor des Bratschenarrangements ist, oder genauer gesagt, die Transkription. Soweit ich weiß, hat der französische Bratschist Gérard Caussé einen gemacht, so dass dieser durchaus sein sein könnte, obwohl es auch ältere Transkriptionen wie die von Angelo Consolini (1859–1934) und Werner Icking (1943–2001) gibt. Beide SACDs befinden sich in einem hübschen Digipack mit einer informativen Broschüre in der Mitte.

Ein Muss für alle ernsthaften Bach-Enthusiasten

HRAudio, Blandy-LE-Château, Normandy, France. Adrian Quanjer, 15.11.2020

 

Aldemirs wirklich überragendes Spiel: musikantisch und tänzerisch, aber auch klar und intelligent. ..Aldemirs Bach berührt und bewegt, und trotz aller Raffinesse und Komplexität erreicht diese extrem ausgefeilte Musik direkt das Herz.

"Klar, warm und klug strukturiert – so klingt der Bach des türkischen Geigers und Bratschers Attila Aldemir." „…Attila Aldemir spielt die Stücke mit der gleichen Virtuosität wie auf einer Geige, doch der Sound geht hier fast noch mehr unter die Haut." "Der volle, sämige und warme Klang seiner Viola von 1560 passt perfekt zu Bach. Dazu kommt Aldemirs wirklich überragendes Spiel: musikantisch und tänzerisch, aber auch klar und intelligent."

Ganzes Sendemanuskript 

Moderation Klassikwelt 11. 11. 2020

Einen schönen guten Abend und willkommen zur Klassikwelt am Mittwoch. Die drei großen B´s der Musikgeschichte sind heute dabei – sprich Bach, Beethoven und Brahms. Dazu gibt es am Ende die neue und wunderbare CD „Pennies from Heaven“ des Mandelring Quartetts mit Zugabestücken zwischen E- und U-Musik.

[…]

Bremen Zwei mit der Klassikwelt und Neuheiten vom Phonomarkt. Die Bratsche ist ein herrliches Instrument, doch sie hat es schwer. Es gibt Tausende von Witzen über die Bratsche und ihre Spieler, und gegenüber der strahlenden Geige ist die Viola oft das hässliche Entlein. Hört man aber das neue Album des türkischen Virtuosen Atilla Aldemir, dann sollten sich alle Bratschenwitz-Erzähler schnell in die Ecke stellen und schämen.

[…]

Aldemir spielt hier die sechs Sonaten und Partiten von Johann Sebastian Bach in einer Bearbeitung für die Viola. Das klingt erstmal überraschend, doch das Ergebnis ist mehr als überzeugend. Attila Aldemir spielt die Stücke mit der gleichen Virtuosität wie auf einer Geige, doch der Sound geht hier fast noch mehr unter die Haut. Der volle, sämige und warme Klang seiner Viola von 1560 passt perfekt zu Bach. Dazu kommt Aldemirs wirklich überragendes Spiel: musikantisch und tänzerisch, aber auch klar und intelligent. Hier ein erstes Beispiel: Attila Aldemir mit dem Allegro aus Bachs Violinsonate a-moll, gespielt auf der Bratsche…

Musik Bach Sonate – 6´06 (CD 1 Track 16)

Klar, warm und klug strukturiert – so klingt der Bach des türkischen Geigers und Bratschers Attila Aldemir. Das war das Allegro aus der Solosonate in a-moll, Werkverzeichnis 1003.  Aldemir spielt auf seinem neuen Doppelalbum die „Sei Solo“ von Bach, also die 6 Sonaten und Partiten für Violine – hier allerdings auf einer Bratsche, die 1560 gebaut worden ist.

Die Klassikwelt auf Bremen Zwei heute mit neuen Kammermusik-Aufnahmen. Die neue Bach-Platte von Attila Aldemir ist in der Köthener St. Agnus Kirche entstanden. Dort hat Bach selber 6 Jahre gelebt und gearbeitet, und dieser authentische Aufnahmeraum hat Aldemir unglaublich inspiriert. Man spürt, dass Aldemir in Bachs Musik aufgeht, sie liebt und versteht. Bei der Aufnahme in Bachs Köthener Kirche war er dem Komponisten anscheinend besonders nah. Aldemirs Bach berührt und bewegt, und trotz aller Raffinesse und Komplexität erreicht diese extrem ausgefeilte Musik direkt das Herz.

Hier kommt Atilla Aldemir noch einmal, diesmal mit Bachs wohl berühmtestem Solostück, der Chaconne aus der d-moll-Partita. Eine Art „musikalisches Weltkulturerbe“ und eines der tollsten Stücke der Musikgeschichte…

Musik Bach Chaconne – 14´20 (CD 2 Track 5)

Atilla Aldemir mit Johann Sebastian Bachs berühmter Chaconne in d-moll, gespielt auf der Bratsche. Eine grandiose neue Aufnahme des in der Türkei geborenen Musikers. Auf seinem neuen Doppelalbum spielt er die 6 Sonaten und Partiten auf der Viola – dieses Experiment ist gelungen, eine wirklich herausragende Bach-CD im Beethoven-Jahr! Mit Beethoven geht´s dann gleich in der zweiten Stunde der Klassikwelt hier auf Bremen Zwei weiter. […]

Also ich bin Atilla Aldemir wirklich von der ersten Note an verfallen auf dieser Doppel-CD. Schon allein am Klang dieser Bratsche konnte ich mich kaum satthören. In der Tiefe klingt das Instrument kraftvoll und sonor, in der Höhe geschmeidig und silbrig. Das wirkt manchmal fast, als spielten zwei Instrumente gleichzeitig. Und auch gestalterisch hat mich Aldemir sehr überzeugt. Sein Spiel hat einen «Flow», der durch diese komplexe Musik hindurchträgt. Und gleichzeitig kostet er jede Verzierung aus.

Also wenn Atilla Aldemir die Bratsche spielt, hat sie schon das Zeug zur grossen Schwester der Violine. Das war ein Ausschnitt aus der Violinsonate Nr. 1 g-Moll von Johann Sebastian Bach. – Was für eine Bratsche haben wir denn da gehört? Auf welchem Instrument hat Atilla Aldemir seinen Bach eingespielt?

Es ist die Viola Pellegrino de Micheli von 1560. Ein Renaissance-Instrument, das es also schon gab, lange bevor Bach diese Werke komponierte. Dazu hat sich Atilla Aldemir eigens einen Barockbogen bauen lassen, den er leicht und wendig über die Saiten tanzen lässt. Und speziell ist auch der Ort, an dem Aldemir seinen Bach eingespielt hat: Die Kirche St. Agnus in Köthen, wo Bach mit seiner Familie von 1720-22 lebte, also zur Entstehungszeit dieser Werke. Und dieser Raum ist manchmal auch zu hören auf dieser Aufnahme als leises Echo.

Atilla Aldemir bringt Bachs Sonaten und Partiten also an den Genius Loci zurück. Aber jetzt will ich doch noch eine kleine Instant-Kritik hören. Bachs Violinwerke auf der Bratsche. Geht das?

Also ich bin Atilla Aldemir wirklich von der ersten Note an verfallen auf dieser Doppel-CD. Schon allein am Klang dieser Bratsche konnte ich mich kaum satthören. In der Tiefe klingt das Instrument kraftvoll und sonor, in der Höhe geschmeidig und silbrig. Das wirkt manchmal fast, als spielten zwei Instrumente gleichzeitig. Und auch gestalterisch hat mich Aldemir sehr überzeugt. Sein Spiel hat einen «Flow», der durch diese komplexe Musik hindurchträgt. Und gleichzeitig kostet er jede Verzierung aus.

Und diesen Flow wollen wir uns jetzt noch einmal anhören. Was hören wir?

Den wahrscheinlich berühmtesten Satz aus diesen Solowerken habe ich mitgebracht. Die «Chaconne» aus der 2. Partita.

• Musik: Chaconne. Partita Nr. 2

Bachs «Chaconne» aus der zweiten Partita für Violine solo. Hier gespielt auf der Bratsche von Atilla Aldemir. Der türkische Bratscher hat sämtliche Sonaten und Partiten auf einer Doppel-CD eingespielt. Sie erscheint am 25. November bei Cybele Records.

Wir haben uns daran gewöhnt, Bachs Suiten für Solocello auf der Bratsche und manchmal sogar auf der Geige zu hören, aber Aufnahmen der Sonaten und Partiten für Solovioline auf Bratsche sind selten. Ich habe eine Online-Suche durchgeführt und bin auf eine Veröffentlichung aus dem Jahr 2006 auf dem Eroica-Label von Scott Slapin gestoßen, aber ansonsten scheint Atilla Aldemar das Feld für sich zu haben. Wenn man darüber nachdenkt, scheint das seltsam. Der Reiz für Spieler und Zuhörer, Bachs erhabene Musik auf einem Instrument zu spielen, das tiefere Klänge als eine Geige hat, erscheint ganz natürlich. Atilla Aldemir ist mit der Geige gleichermaßen zu Hause, aber die Übertragung von Bach auf die Bratsche ist seit langem ein wichtiges Anliegen: „Unter anderem gibt mir das tiefere Instrument die Möglichkeit, die kontrapunktischen Elemente in den Vordergrund zu stellen. Die Verwendung der Viola Pelegrino de Micheli aus dem Jahr 1560, deren klangliche Eigenschaften wunderbar sind und der ich bedingungslos vertraue, war etwas, bei dem ich mir sicher war. Ich fand auch Inspiration in der Vorstellung, dass das Instrument zu Bachs Lebzeiten existierte und dass er vielleicht die Chance hatte, es zu hören. "

Eine weitere Synergie ergibt sich aus der Wahl der St. Agnes Kirche in Köthen, einem Bach bekannten Raum, und einer stimmungsvollen Akustik, die perfekt zu dieser Aufnahme passt. J.S. Bach hatte laut seinem Sohn Carl Philip Emmanuel eine Vorliebe für das Spielen der Bratsche, und drei solcher Instrumente erscheinen in einem posthumen Inventar seiner Besitztümer. Was auch immer die Argumente für diese Aufnahme sind, es ist auf jeden Fall ein wunderbares. Ich habe eine Vorliebe für resonante Akustik, aber die hier aufgenommene Balance ist perfekt eingefangen, mit viel Detail und Textur im Bratschensound, während der Raum seinen eigenen Charakter für die Wirkung des Ganzen verleiht. Wir Rezensenten werden gelegentlich zu Recht dafür kritisiert, dass sie SACD-Discs mit Surround-Sound in langweiliger alter Stereoanlage rezensiert haben. Dank der binauralen Schicht von Cybele können sich Kopfhörernutzer wie ich entspannen und ein echtes HiFi-Erlebnis genießen, ohne befürchten zu müssen, dies zu verpassen. Der Vergleich der herkömmlichen CD-Schicht mit der binären SACD-Schicht ist wie das Erleben des gleichen Raums, jedoch fast mit gesteigerten Sinnen, als ob Sie die Temperatur der Fliesen unter Ihren Füßen messen und die Staubmotive in der Luft schweben sehen können, während die Musik um Sie herum schwingt.

Atillas Bach ist tendenziell etwas langsamer als man es von einer Geigenperformance erwarten würde, aber mit der Verschiebung des Spektrums auf der Bratsche klingt dies ganz natürlich, und auf jeden Fall ist er kein Problem, wenn es um schnelle Passagen wie die geforderten geht Aus dem Double, das BWV 1002 abschließt. Hier gibt es kein Gefühl des Kampfes, aber es gibt eine Körperlichkeit in der Handlung, ein Gefühl zusätzlicher aktiver Bewegung, die uns dem Cello näher bringt. In etwas so Kniffligem wie der Fuga des BWV 1005 ist ein gewisser „Aufwand“ spürbar, aber selbst in diesem Dickicht von Noten triumphiert die Musik über die Komplikationen. Der Ton des hier verwendeten historischen Instruments ist wunderschön und ausdrucksstark befriedigend, aber auch lebhaft und reaktionsschnell, und weder in der Aufführung noch in der Art dieser Musik, wenn sie auf der Bratsche gespielt wird, ist etwas schwerfällig. Die Wirkung des Doppelstopps und des Kontrapunkts auf die Bratsche bedeutet, dass wir diese Stücke neu erleben können, wobei die Betonung auf den unteren Noten das Gleichgewicht aus dem oberen Register zieht und die Tendenz des Ohrs, sich an Melodie oder oberen Linien festzuhalten.

Dominy Clements

Für den CD-Käufer spielt es oft keine Rolle: die Entstehung einer Produktion. Außerdem: Was letztendlich zählt, ist die Musik selbst, ihre Leistung. Dies gilt natürlich auch für dieses Set mit Bachs Partiten und Sonaten, die ursprünglich für die Geige geschrieben wurden, aber vom türkischen Musiker Atilla Aldemir auf seinem Körperinstrument aufgeführt wurden: der Bratsche, und was für ein echter Pellegrino de Micheli von 1560, der wie die klingt scheint den Test der Zeit hervorragend bestanden zu haben.

Trotzdem möchte ich Ihnen das Vorwort im CD-Booklet von Mirjam Wiesemann, der Frau von Ingo Schmidt-Lucas, 'Tonmeister' und Manager des Cybele-Labels, nicht vorenthalten. Es sei darauf hingewiesen, dass Wiesemann auch für das Label sehr aktiv ist und unter anderem für die vielen Interviews bekannt ist, die sie auf CD oder auf andere Weise im CD-Booklet mit Komponisten und Musikern aller Art aufgenommen hat: Mirjam Wiesemann im Gespräch mit.

Musik als verbindendes Element: Es wird oft gesagt, aber glücklicherweise oft genug in die Praxis umgesetzt. Dies gilt sicherlich für diese Produktion, in der - wenn auch posthum - Klemens Schmitzer, einst Meister der Posaune, eine wichtige Rolle spielt, 1999 jedoch aus gesundheitlichen Gründen gezwungen war, sein beliebtes Instrument aufzugeben. Die Musik ließ ihn jedoch nicht los: Er studierte Kulturmanagement und baute darin schnell einen guten Ruf auf.

Als brandneuer Kultur- und Orchestermanager verließen er und seine Frau den Osten Deutschlands nach Lübeck, wo ihn Schmidt-Lucas 2007 am Theater Lübeck traf. Dort war Schmitzer als Projektleiter des Theaterorchesters tätig.

Die persönlichen Kontakte zwischen dem Ehepaar Schmitzer und Schmidt-Lucas / Wiesemann wurden nach Schmitzers Ernennung zum Orchesterleiter des Berliner Konzerthauses noch stärker, gefolgt von seiner Ernennung im Wuppertal zum örtlichen Sinfonieorchester und zum Wuppertaler Bühnen im Jahr 2015.

Am 20. Januar 2018 fand in Schmitzers Haus das erste denkwürdige Treffen zwischen Schmidt- Lucas und Atilla Aldemir statt. Eines der möglichen Projekte, die dort diskutiert wurden, war die integrale Aufnahme von Bachs Sonaten und Partiten. Niemand hätte sich vorstellen können, dass Aldemir sechs Monate später, am 20. Juli, bei Klemens Schmitzers Beerdigung in Dresden Bachs Chaconne spielen würde. Schmitzer war unerwartet verstorben, eine Woche nach seinem 51. Geburtstag, den er glücklich unter Familie und Freunden gefeiert hatte.

Und so ist dieses Album, das tatsächlich auf Schmitzers Initiative entstanden ist, auch zu einer ganz besonderen, persönlichen Erinnerung an diese ebenso besondere Freundschaft geworden. Daraus folgt, dass dieses Album auch als Musical in memoriam veröffentlicht wurde.

In dem in der Broschüre enthaltenen Interview zwischen Wiesemann und Aldemir ist der Altist keineswegs der erste, der sich seit seiner Jugend mit diesen Werken befasst. Und natürlich ist es abenteuerlich und faszinierend zugleich, den Übergang von der Geige zur Bratsche zu schaffen. Ein drastischer Schritt, obwohl sich an dem von Bach mit großer Finesse entwickelten Kontrapunkt nichts Wesentliches ändert. In Bezug auf Klang und Spieltechnik hat die Bratsche eine andere Signatur als die Geige. Nicht dass das Bild dieser Sonaten und Partiten dadurch gekippt wird, sondern dass die Bratsche eine daran angepasste Rhetorik erfordert: Allein in Bezug auf die Manövrierfähigkeit ist die Bratsche der Geige eindeutig untergeordnet, was bedeutet, dass sie vielleicht sogar noch höher ist Technische Anforderungen werden gestellt, um den leichten, lebendigen, aber auch den intensiv kontemplativen Charakter hervorzuheben, den diese Stücke von Natur aus besitzen, während der typische Barockstil ohnehin erhalten bleiben muss. Aldemir war sich völlig bewusst, dass es nicht nur um das gesamte Instrument ging, sondern auch um die richtige Wahl von Bogen und Saiten. Dabei spielt auch die Akustik, in der die Aktion stattfindet, eine wichtige Rolle. Die Wahl für die St. Agnus Kirche in Köthen war daher vielleicht aus zwei Gründen offensichtlich: Der junge Bach sang in dieser Kirche noch als Mitglied der Kirche im Sonntagsgottesdienst (sein Name ist im erhaltenen Kirchenbuch eingetragen) und - ich weiß es aus eigener Erfahrung - die Akustik ist mehr als hervorragend.

Bach gab diesen sechs Stücken für Solovioline 1720 in Köthen den letzten Schliff, die er 1703 in Weimar begonnen hatte. Arbeitsunterbrechung über einen Zeitraum von mindestens 17 Jahren. In Köthen schrieb Bach als Kapellmeister am Hof des Landgrafen Leopold von Anhalt-Köthen auch die sechs brandenburgischen Konzerte und die sechs Suiten für Cello solo. Köthen war auch aus kreativer Sicht ein wichtiger Zwischenstopp für Bach.

Soweit wir wissen, wurden die Sei Soli (der ursprüngliche Titel der Sonaten und Partiten) zu Bachs Zeiten nie im heiligen Agnus aufgeführt. Zumindest wurde kein Hinweis gefunden. Ob Bach diese Werke jemals ganz oder teilweise aufgeführt hat (der Tradition nach war er auch ein sehr talentierter Geiger), muss auch in der Geschichte verborgen bleiben. Es gibt nicht einmal eine Eindeutigkeit über die Aufführung anderer Musiker zu dieser Zeit, aber die von Joseph Spiess ist höchstwahrscheinlich die wahrscheinlichste, wenn der Konzertmeister des Köthense-Orchesters (was angesichts des keineswegs geringen Schwierigkeitsgrades der brandenburgischen Konzerte, muss von hohem Inhalt gewesen sein). Weitere im Umlauf befindliche Namen sind Johann Georg Pisendel und Jean-Baptiste Volumier, die beide mit dem Dresdner Hoforchester verbunden sind und von viel Brillanz und Brillanz umgeben sind.

Obwohl diese Sonaten und Partiten in allen denkbaren Aufführungen, aber auch in Arrangements (der diskografische Bereich kann sogar als unkalkulierbar bezeichnet werden) aufgenommen wurden, sind in den letzten fünfzig Jahren sicherlich einige Dinge im Bereich der Historisierung der Aufführungspraxis geschehen. Die wichtigsten Ankerpunkte sind erhalten geblieben: stilistische

Reinheit, Affinität zu Form und Inhalt, Artikulation und Intonation, rhythmische Geschmeidigkeit, dynamische Abstufung (auch bei einer einzelnen Note!).

Dies ist Musik, die ein gewisses Maß an "ad 'ad libitum" hervorragend toleriert, obwohl solche Freiheiten auf Wissen und Erfahrung beruhen müssen. Ein Beispiel für einen solchen Ansatz finden sich in den verschiedenen Tanzformen (Courante, Gavotte, Sarabande, Ciaccona, Loure, Bourée, Gigue usw.), in den polyphonen Dialogen und in den Fugen mit den Kontrasten zwischen Haupt- und Nebenprobleme. Freiheit in Knechtschaft, könnte man sagen, die der musikalischen Integrität nicht im Wege stehen muss.

Ein gutes Beispiel dafür ist die großartige Interpretation des Geigers Arthur Grumiaux, der Anfang der 1960er Jahre die Sonaten und Partiten für Philips aufgenommen hat und noch einmal ausdrücklich zeigt, dass das Alter an sich kein aussagekräftiges Kriterium ist, obwohl die Zeit sicherlich nicht stehen geblieben ist.

Dann gibt es Atilla Aldemir, sowohl virtuos als auch warmblütig, die zeigt, dass die Bratsche ein ausgezeichneter Partner für solch eine gründliche Erforschung ist. So lernen wir eine große musikalische Persönlichkeit kennen, die wie die größten Geiger auf diesem Gebiet „seinen“ Bach besonders gut kennt, Intelligenz und Stilreinheit als verbindendes Element mit großer Überzeugung präsentiert und durch seinen individuellen Beitrag die notwendige Spannung in diesen schön ausgearbeiteten Diskurs bringt. Wie attraktiv die Bratsche in diesem Repertoire klingen kann, zeigt zum Beispiel die bronzene Klangfülle zu Beginn der Allemande aus der zweiten Partita. Aber auch, wie beweglich sich die Bratsche in den richtigen Händen manifestieren kann, wie zum Beispiel im Allegro der Zweiten Sonate. Und dann war da noch die sehr kritische Wahl des Bogens (Aldemir erzählt davon im Interview), die ihm sicherlich bei den äußerst schwierigen Akkorden geholfen haben wird, die Bach für den Geiger aufgestellt hat. Kein Zweifel auch an der Stimme, den wunderschön ausgearbeiteten Melodielinien, der Wahl des Tempos, der Ornamentik und der rhythmischen Präzision. Obwohl die Aufnahmedaten zeigen, dass es nicht genau über Nacht war, spritzt die Spontaneität dieser Interpretation, was nur den Mehrwert dieses Erwägungsgrunds erhöht.

Zusammenfassend stellt sich heraus, dass Atilla Aldemir eine großartige Bach-Interpretin auf diesem wunderschön dokumentierten Album ist. Dieses schöne Spiel wird auch von einem Juwel einer Aufnahme in DSD / SACD eingerahmt. Der Enthusiast hat nicht nur die Wahl zwischen Stereo oder (Fünf-Kanal-) Surround, sondern kann auch die Alternative zum 3D-Kunstkopf (binaurales Stereo) genießen.

Opus Klassiek (Aart van der Wal), September 2020

 

Ganze gleicht einem großzügig gestalteten Sonaten-Abend, und Aldemir hat dabei in Itamar Golan einen ausgesprochenen proaktiven Partner an der Seite. Der Kopfsatz der Brahms-Sonate wird stürmisch-empathisch gestaltet…. Der dunkle Klang der Bratsche, eines 1560 gebauten Instruments von Peregrino di Zanetto, besitzt allerdings Suchtpotenzial, und Aldemir weiß ihn sensibel einzusetzen, mit schönen „parlando“-Momenten im langsamen Satz. Das Duo geht den ländlerartigen dritten Satz und das Finale schwungvoll-burschikos an.

[Nichts] trübt das Hören der Sonate von Schostakowitsch, dessen Scherzo mit charakteristischer Verbissenheit gelingt, während beim abschließenden Adagio die Zeit gleichsam angehalten wird.

Zum Schluss wechselt Aldemir zu einem neuen Instrument von Alexandre Breton, Baujahr 2017, dessen direkterer Klang sich als perfekt für die zeitgenössischen türkischen Werke erweist. Aldemir arbeitet die volkstümlichen Elemente von Akses' Capriccio sehr dezent heraus und bringt die Oud-Imitation in Turgays Troja überzeugend hervor. Das Capriccio von Vieuxtemps ist eine perfekte Zugabe.

Atillas Intonation ist tadellos, während seine klangliche Qualität sehr schön und klangvoll ist, aber ohne das Dröhnen, das bei manchen Bratschen durchaus erdrückend sein kann. Er ist ein vollkommener Meister des Instruments, aber das soll Golans großartigen Beitrag in keiner Weise vernachlässigen. Ich wünschte nur, er würde die Einleitung beim Brahms leichter spielen, aber wer bin ich, Einwände zu erheben, wenn er die Musik auf diese Weise empfindet? […]

Da ich dem türkischen Bratschisten Atilla Aldemir bisher noch nicht begegnet war, wollte ich unbedingt herausfinden, was er und Itamar Golan aus den drei Sonaten hier machen würden. Sie gehören zu den größten Schöpfungen in einem Repertoire, das nicht mit einer Fülle von Meisterwerken gesegnet ist. Wenn dies bedauerlich klingt, dann deshalb, weil ich aus meiner Erfahrung als professioneller Bratschist (über 30 Jahre in der Bournemouth Symphony) schreibe. Ja, ich weiß, dass der Franck ursprünglich für Violine oder Cello komponiert wurde, aber in verschiedenen Aufnahmen habe ich gehört, dass er sehr wirkungsvoll auf der Viola funktioniert. Vielleicht könnten wir also etwas schummeln und ihn als Ehrenmitglied betrachten. Aldemir ist seit 2017 Solobratschist des MDR-Sinfonieorchesters Leipzig und spielt in dieser Aufnahme zwei Instrumente – eine Pellegrino di Zanetto (1560!) in den drei Sonaten und eine

 (2017) in den Solowerken.

Die f-Moll-Sonate von Brahms erhält eine kraftvolle, höchst befriedigende Darbietung. Der einzige Teil, der mir nicht gefällt, ist die Introduktion, wo Golan viel zu viel Rubato verwendet. Ich glaube, dass Brahms selten davon profitiert, verzerrt zu werden, insbesondere dann, wenn das Klavier lediglich das erste Thema einleitet. […] Aber lassen Sie sich nicht von den ersten Takten abschrecken, sonst verpassen Sie eine ansonsten großartige Interpretation. Ich werde nicht weiter darauf eingehen, sondern nur sagen, dass diese Sonate den beiden Interpreten in jeder Hinsicht – Tempo, Charakterisierung, Engagement, Einmütigkeit – außerordentlich gut gelingt. Mein einziger weiterer kleiner Vorbehalt betrifft die Einführung des zweiten Themas (Klavier, ma ben marcato), bei dem die Musik im Idealfall ein wenig mehr Geheimnis, Spannung oder Dramatik braucht.

Die Ausführung von Francks Sonate ist ebenso gelungen – eloquent sowohl in der nachdenklichen als auch in der leidenschaftlichen und dramatischen Musik. Auch technisch verdienen die Spieler Anerkennung, wobei ich speziell den Pianisten im turbulenten zweiten Allegro-Satz meine, der eine weitaus anspruchsvollere Partie hat als die Bratsche. Das wunderschön gespielte Finale, […] das mit einer Melodie von strahlender Unschuld im Kanon beginnt, schließt eine überaus lohnende Darbietung ab. Diese wunderbare Sonate war Francks Hochzeitsgeschenk an Ysaÿe und seine Frau.

Schostakowitschs Bratschensonate war sein letztes Werk, und es gibt Anhaltspunkte dafür, dass er sich dessen bewusst war. Dieses Wissen (oder diese Theorie) sollte unser Urteil natürlich nicht beeinflussen, aber wenn es wahr wäre, hätte dieser Umstand sicherlich den Ton des Werkes beeinflusst. Es gehört zweifellos zu den trostlosesten Werken Schostakowitschs. Schon der Anfang ist ein nur leicht versteckter Hinweis auf die Eröffnung von Bergs Violinkonzert, das unbestreitbar mit dem Tod zusammenhängt. Die Ausführung hier ist herausragend. Aldemir und Golan leben wahrhaftig in dieser düsteren Welt, obgleich sie auch mehr Licht und Schatten erzielen, als ich bei den meisten Aufführungen gehört habe. Das ist definitiv ein Gewinn, denn kein Komponist von Format würde selbst das dunkelste Werk, das über eine halbe Stunde dauert, ohne Passagen von kontrastierender Befreiung schreiben. […] Atilla und Golan gelingt es bemerkenswert gut, die Gravität dieser Musik zu vermitteln, und wieder einmal habe ich viele weitere Interpretationen gehört, die ihre Grimmigkeit unter Ausschluss jedes anderen Gefühls maximieren. Ich bin dankbar, diese ausdrucksstarke, nuancierte Interpretation gehört zu haben, und ich habe nicht das Gefühl, dass die Sonate in irgendeiner Weise durch diese ausgewogenere – vielleicht sogar menschlichere – Herangehensweise geschmälert wird.

Die drei kürzeren Stücke sind auf unterschiedliche Weise sehr einnehmend. Das Stück des türkischen Komponisten Akses (1908–1999) – ein neuer Name für mich – ist wunderbar für die Bratsche geschrieben und ein beeindruckendes Werk in einer zugänglichen Tonsprache. Turgay ist „ein von rasenden virtuosen Ausbrüchen durchdrungenes Klagelied“, wie der Bratschist und Booklet-Kommentator bemerkt, und außerdem „tief in Kleinasien verwurzelt“. Auch dies ist ein überzeugendes Stück, und es ist schwer vorstellbar, sich eine eloquentere Fürsprache vorzustellen. Das „Vieuxtemps-Capriccio“ wird den meisten Bratschisten bekannt sein, ein schönes Stück und verdientermaßen beliebt.

 

 

Atilla Aldemir und Itamar Golan geben ihrer neuen Einspielung den Titel Passion. Beim Hören des „Allegro appassionato“ der ursprünglich für Klarinette komponierten f-Moll-Sonate von Brahms denkt man freilich weniger an Leidenschaft, eher an klassizistische Beethoven-Verehrung. Da werden einzelne Akkorde hingestellt, als ob es sich um eine architektonische Konstruktion handeln würde. Erfreulicherweise entfal- ten die beiden Künstler in den folgenden Sätzen ein weites Spektrum mit höchst differenzierten Viola- und Klavierklängen und unterschiedlichsten Schattierungen.

Die A-Dur-Sonate von César Franck spielt Aldemir in großen, ausdrucksstarken Melodiebögen. Doch auf der Violine, für die sie komponiert wurde, kommt Leidenschaft besser zum Ausdruck. Auf der Bratsche wirkt die Sonate etwas matt und dem Hörer wird klar: Die „Leidenschaft“ einer Violine ist eine andere als die der Bratsche.

Dies wird dann in der Sonate von Schostakowitsch deutlich, die der Viola auf den Leib geschrieben wurde. Hier werden die Kontraste zwischen dem tiefen Tonbereich auf C- und G-Saite und dem hohen auf der A-Saite für eine erstaunliche Komposition genutzt. Allein schon der Anfang mit Pizzicato der Viola und perkussiv hingetupften Klavierklängen ist faszinierend und wird von den beiden Solisten mit größter Delikatesse musiziert. Wenn dann die Viola zu ihrem Melodiespiel ansetzt, entsteht eine Leidenschaftlichkeit, wie sie nur auf diesem Instrument dargestellt werden kann. Im „Allegretto“ gestalten Aldemir und Golan mit hörbarer Freude die skurril-grotesken Rhythmen und Melodien und tauchen den Hörer im „Adagio“ in die Stimmung von Beethovens „Mondschein-Sonate“ ein, deren Motive Schostakowitsch zitiert.
 

Aldemir gelingt es, mit der Bratsche Melancholie, Trauer und Transzendenz einzufangen und die Intensität der Musik zusammen mit der kongenialen Begleitung von Golan zu höchster Leidenschaft zu steigern. In den folgenden Werken für Viola solo präsentiert sich Aldemir als technisch versierter Virtuose, der uns mit seinem ausdrucksvollen Spiel unbekannte Musik der türkischen Komponisten Necil Kâzım Akses und Halit Turgay schätzen lehrt.
 

Im CD-Beiheft schreibt Atilla Aldemir sehr persönlich über die Werkauswahl. Das ist einerseits sympathisch. Andererseits kaufen Menschen heute unter anderem auch deswegen CDs, statt die Musik zu streamen, weil sie besser informiert sein wollen, also zum Beispiel gerne etwas mehr über Werke und Komponisten wissen wollen, was hier etwas zu kurz kommt.

Übrigens ist diese CD sehr hörenswert; dies betrifft vor allem die Sonate für Viola und Klavier von Dmitri Schostakowitsch, die von den beiden Solisten ganz hervorragend musiziert wird. Aldemir spielt erstmals auf CD Solosonaten für die Viola der beiden türkischen Komponisten Necil Kazim Akses und Halit Turgay ein: spannende Musik!

Das Label GWK (Gesellschaft zur Förderung der Westfälischen Kulturarbeit eV) fördert in der Regel junge und daher oft wenig bekannte Musiker, die einen oder mehrere Preise gewonnen haben, insbesondere wenn es sich um einen Preis handelt, den GWK an sehr talentierte Musiker vergeben hat. Auf der CD geht es um den nicht wirklich jungen Attila Aldemir (1975), der 1998 den Preis erhielt und der es ist begleitet von dem bekannten Pianisten Itamar Golan, der dieses Jahr seinen 50. Geburtstag feiern möchte. Kein jugendlicher Elan, sondern erlebte Erfahrungen und Aufnahmen mit Leidenschaft, obwohl Passion kein Originaltitel für eine CD ist.

Aldemir wurde in der Türkei geboren und spielt sowohl Geige als auch Bratsche. 1994 kam er nach Deutschland, um zu studieren. 2011 wurde er zum besten Streicher seines Landes gekürt. Seit 2017 ist er Solist beim MDR Sinfonieorchester in Leipzig. Er war bestrebt, die Sonaten von Brahms und Franck aufzunehmen, und fand die Bratsche mit dem raffinierten hohen Register und den leidenschaftlichen dunklen tiefen Tönen am besten geeignet.

Kein Bratschist kann Schostakowitschs Sonate entkommen. Alle drei Sonaten entstanden in den letzten Lebensjahren des Komponisten, in Schostakowitschs Fall sogar in den letzten Wochen. Die ergreifende Musik des Russen findet in diesem Duo ideale Interpreten und sicherte mich auf dem Stuhl, insbesondere wegen der enormen Intensität und des Einfühlungsvermögens beider Musiker. Francks Sonate profitiert von der Dunkelheit und Tiefe, die die Bratsche hinzufügt, verleiht dem Werk aber auch mehr Glanz. Hier kann ich voll und ganz verstehen, dass Aldemir die Bratsche gewählt hat.

© Kees de Leeuw, april 2020

Kein Bratschist kann Schostakowitschs Sonate entkommen. Alle drei Sonaten entstanden in den letzten Lebensjahren des Komponisten, in Schostakowitschs Fall sogar in den letzten Wochen. Die ergreifende Musik des Russen findet in diesem Duo ideale Interpreten und sicherte mich auf dem Stuhl, insbesondere wegen der enormen Intensität und des Einfühlungsvermögens beider Musiker. Francks Sonate profitiert von der Dunkelheit und Tiefe, die die Bratsche hinzufügt, verleiht dem Werk aber auch mehr Glanz. Hier kann ich voll und ganz verstehen, dass Aldemir die Bratsche gewählt hat. Brahms 'eigene Transkription der Klarinettensonate gefällt mir weniger, da sie dem Originalwerk beigefügt ist. Das bedeutet nicht, dass es ein schlechtes Arrangement ist oder dass die Musik schlecht ist. Im Gegenteil, die Leidenschaft und Begeisterung sind fast greifbar und auf jeden Fall hörbar.

Die drei kurzen Werke für Bratsche sind eine sehr erfolgreiche Ergänzung dieser CDs. Das kurze Capriccio Hommage à Paganini von Henri Vieuxtemps wurde posthum veröffentlicht und sticht vielleicht unter seinen kleinen Kompositionen für Violine hervor, die Aldemir als virtuose Prunkstücke im oberflächlichen Genre beschreibt. Aber es war diese Arbeit, die Aldemir ein intensives Interesse an der Bratsche gab. Es ist in der Tat ein schönes Stück, in dem Melancholie und Größe mühelos kombiniert werden. Schade, dass Vieuxtemps es so kurz gehalten hat: Was Sie als Zuhörer insgeheim hoffen, ist - soweit möglich - ein Anhänger der berühmten Chaconne aus Bachs zweiter Partita für Solovioline.

Das Capriccio des türkischen Komponisten Necil Kazim Akses (1908-1999) ist eine Bereicherung für das Repertoire und wird erstmals auf CD veröffentlicht. Akses gehört zu den 'Turkish Five', den ersten professionellen Komponisten aus der Türkei, die türkische (Volks-) Musik mit westlicher klassischer Musik verbinden. Akses forschte unter anderem zur anatolischen Volksmusik und wurde manchmal von Béla Bartók begleitet. Das Capriccio ist in der Tat ein gutes Beispiel für diese Mischung.

Halit Turgay (1967) widmete seine Komposition Troya Attila Aldemir. Die Arbeit ist inspiriert von der Geschichte der Helena von Troja, die aus der griechischen Mythologie bekannt ist. Die Musik ist stark mit Anatolien verflochten. Es gibt ein Thema, das ich vor langer Zeit mit der niederländischen Band Flairck gehört habe, mit einem Programm mit Musik vom Balkan. Es ist einer der stark rhythmischen Teile dieser abwechslungsreichen Komposition, da es auch Stille gibt und mit den verschiedenen Pizzafragmenten einen schönen Überblick darüber gibt, was eine Bratsche und ein guter Bratschist zu bieten haben.

Während Aldemir seinen Pellegrino Zanetti wählte, eine Bratsche aus dem Jahr 1560 in den Sonaten, spielt er in den anderen Werken eine Bratsche aus dem Jahr 2017 von Alexandre Breton. Sie passen zu der Person von Attila Aldemir, die gerne nach Herausforderungen und Extremen sucht. Es sind wunderschöne Instrumente, die an beiden Aufnahmeorten wunderschön aufgenommen werden.

Als ich die CD von Christian Euler sehe, die kürzlich von Kollege Aart van der Wal besprochen wurde, sehe ich, dass dies gute Zeiten für Liebhaber der Bratsche sind!

Aldemir, in den drei großen Werken begleitet von dem hervorragenden Pianisten Itamar Golan, bietet uns einen wunderschönen Klang und ein besseres Verständnis dieser Werke, insbesondere in der Sonate Op. 147 von Shostakovich, in deren absoluten Pessimismus sich beide Musiker vertiefen.
Die Bearbeitung von Francks Sonate für Cello, welcher viele große Musiker ihren Stempel aufgedrückt haben, ist bekannt, doch wird das kaum bekannte Arrangement für Viola nur von wenigen Bratschisten gespielt. Hervorgehoben sei hier die außergewöhnliche Tabea Zimmermann.

Der Rest der Doppel- CD enthält kürzere, aber sehr interessante Werke: das Capriccio “Hommage à Paganini” von Vieuxtemps, sowie zwei Ersteinspielungen: Capriccio für Viola solo von Necil Kazim Akses (1908-1999) und Troja für Viola Solo von Halit Tirgay (1967), welches Atilla Aldemir gewidmet wurde.

..Aldemir, in the three great works accompanied by the outstanding pianist Itamar Golan, offers us a beautiful sound and a better understanding of these works, especially in the Sonata Op. 147 by Shostakovich, in which both musicians delve into its absolute pessimism

 

https://o-ton.online/medien/o-ton-cd-passion-aldemir-zerban-200111/

 

https://radioklassik.at/cd-des-tages/?datum=2020-01-10